IMPRESIONISMO (1880-1905)
Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.
POSTIMPRESIONISMO (1880-1905)
El Postimpresionismo se utilizo como un término histórico artístico entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Fue acuñado por Roger Fry. Los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas. Su punto de partida fue la naturaleza, especialmente el paisajismo del mediodía de Francia. Algunos Expositores fueron: Van Gogh, Cézanne y Gauguin
FAUVISMO (1905)
El Fauvismo o Fovismo, del francés fauve, "fiera", término que denomina el estilo pictórico de características expresionistas tales como el uso de colores intensos, principalmente el verde. Buscan la fuerza expresiva del color aplicando colores distintos a los que pueden verse en la realidad, por ejemplo, árboles amarillo limón o rostros de color verde esmeralda. Igualmente, Maurice de Vlaminck se unió a los fauvistas Matisse y Derain. De la obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, que llevaron al extremo (los colores como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del temperamento y el instinto personal.
• Van Gogh (postimpresionista): la ejecución libre, personal, impulsiva, pasional y emocional.
• Pintura francesa antigua (XIII y XIV): tratamiento del espacio sin recurrir a las perspectivas tradicionales, color saturado y dibujo de carácter lineal y definidor.
Características principales de la pintura fauvista:
• El fundamento de este movimiento es el color fundamentalmente. Un color liberado con respecto al dibujo, exaltado de contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a jugar con la teoría del color: ésta se va a basar, principalmente, en entender que colores son primarios, cuales son secundarios y cuales los complementarios. Al entender esto, se va a conseguir una complementariedad entre colores, lo que producirá un mayor contraste visual, una mayor fuerza cromática:
o Colores primarios: rojo, amarillo, azul
o Colores secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
o Todo esto será secundario, siendo el color lo que predomine en las obras de este movimiento.
EXPRESIONISMO (1905-1920)
Se desarrolla desde 1905hasta finales de la década de 1920, por lo cual sufre el impacto de la primera guerra mundial. Surge principalmente en Alemania.
A través del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva, etc. Trata de ir más allá: de “expresar” y detonar sensaciones y estados emocionales.
Las obras de james Ensor y Edgard Munich muestran muy bien este movimiento.
CUBISMO (1907-1914)
fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque
y Juan Gris.
El cubismo surge en la primera década del siglo XX
Los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger, y Albert Gleizes.
pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
FUTURISMO (1909)
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Fígaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anti clasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático
Algunos de sus artistas son: Humberto Boccioni, Giacomo Balla, Luigi Russolo, Gino Severini, Carlo Carrá
El movimiento futurista falleció con la Primera Guerra Mundial, sus miembros se fueron dispersaron en varias direcciones. El futurismo fue un paso más en la marcha del arte contemporáneo en su proceso de desintegración de la forma y el eslabón inmediato al dadaísmo y al surrealismo.
DADAISMO (1916-1922)
El dadaísmo surge en Europa y Norteamérica entre 1916 y 1922, su fundador fue Tristán Tzara. Caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando un anti-arte
NEOPLASTICISMO (1917)
Neoplasticismo, corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista.
Características
Características de esta corriente:
Coherencia estética; que sea un movimiento inconfundible (debe haber, por tanto, un programa).
Grupo antindividualista; algo que ya vimos en el cubismo analítico con Picasso y Braque (sus obras apenas se distinguían).
Buscan un lenguaje formal novedoso; distinto del arte tradicional.
Los elementos básicos de las obras neoplasticistas son:
o Línea vertical y horizontal
Colores claros y oscuros (primarios/ gris, blanco y negro)
Concepto de grande y pequeño, es decir, la oposición de contrarios
Ángulos rectos y grandes planos
Aplicación del arte a todos los ámbitos (algo que ya pudimos ver en el movimiento modernista).
Principales Pintores
Theo van Doesburg, pseudónimo de Christian Emil Marie Küpper ( Utrecht 30 de agosto de 1883 - Davos 7 de marzo de 1931 ) Pintor, teórico y arquitecto neerlandés.
Pieter Cornelis Mondrian, conocido como Piet Mondrian, (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - † 1 de febrero Nueva York, 1944) fue un pintor vanguardista holandés; miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinsky y Kazimir Malévich.
BAUHAUS (1919-1933)
El Bauhaus corresponde al nombre de una influyente escuela de diseño alemán liderada por el arquitecto Walter Gropius. Romper con el pasado era una de las metas de este movimiento que llevó algunos conceptos del cubismo a la arquitectura y al arte. La escuela original fue cerrada por los Nazis en 1933. Más tarde reabrió en Chicago, Estados Unidos, donde existe hoy bajo el nombre de Instituto Tecnológico de Diseño de Illinois.
SURREALISMO (1924-1940)
Es el movimiento artístico nacido en Francia después de la 1 Guerra Mundial. Lo definió André Breton en su manifiesto
de 1924. Tiende a representar vida profunda del subconsciente, la labor del instinto que se desarrolla fuera de los límites
de la razón. El arte surrealista es inmediato y está despojado de toda referencia a lo real.
INFORMALISMO (DÉCADA ’50)
El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.
POP ART (FINES ’50 HASTA ’70)
El Pop Art surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a fines en EE.UU. Fue un movimiento artístico importante del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basadas en el dibujo de la cultura popular, como anuncios publicitarios, libro de comics, etc.
Algunos artistas precursores de este movimiento son: Pablo Picasso, Man Ray, entre otros.
HAPPENINGS (DECADA ’60)
Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.
La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.
El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.
Principales referentes
Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor, Joseph Beuys, George Brecht, Bazon Brock, Jim Dine, Red Grooms, Al Hansen, Alejandro Jodorowsky, Roy Lichtenstein, Youri Messen-Jaschin, Marta Minujín, Claes Oldenburg, Yoko Ono, Robert Rauschenberg, Wolf Vostell y Robert Whitman, Charlotte Moorman.
ARTE CINÉTICO (DÉCADA ’60)
Las primeras manifestaciones de este movimiento se dan en 1910 gracias a Marcel Duchamp. La expresión arte cinético fue adoptada hacia 1954 para designar las obras de arte puestas en movimiento. Estuvo muy de moda entre 1960 y 1970. sus principales expositores son Giovanna Calder y Alejandra Montenegro
HIPERREALISMO (DÉCADA ’60)
Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX.
Se promovió por Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo
Kulterman presentó en Paris bajo ese nombre.
Los principales artistas son:
D. Hanson, J. Salt, D. Eddy, C. Clarke, J. de Andrea, J. Harvorth, A. Dwoejwits, C. Bravo, entre otros.
MINIMAL ART (MEDIADOS ’60)
Las obras Minimal personifican estados de máximo orden con los mínimos medios o complejidad de elementos. La obra minimal empieza a insinuar un mero carácter instrumental que sirve para activar al espectador. La Pintura minimalista es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los años 1970. Forma parte del Minimal Art, que suele traducirse como Arte minimal. Como influencia del minimalismo en la pintura se cita a Ad Reinhardt y sus «pinturas negras», realizadas al final de su vida. Igualmente, se cita como precedente la tendencia Color-field painting, dentro del expresionismo abstracto. Los pintores minimalistas recibieron, además, las influencias del compositor John Cage, el poeta William Carlos Williams, y del arquitecto Frederick Law Olmsted. Frank Stella ha entendido necesario pintar rayas. No hay nada más en esta pintura.
BODY ART (FINES ’60)
El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran revelación en los años 1960 en Europa y en EE.UU.
Es trabajado sobre el cuerpo, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, etc. El cuerpo es el molde del trabajo artístico.
Algunos representantes de este movimiento son: Bruce Naumann, Vito Acconel y Yves Klein.
ARTE CONCEPTUAL (FINES ’60)
Emergió a finales de los años sesenta.
Es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de la obra son un elemento más importante que el objeto
Emplea como material fotografías, mapas y videos.
Unos artistas famosos son: Marcel Duchamp y Joseph Kosuth.
Dejo pocas obras en museos, solo quedaron declaraciones de proyectos.
LAND ART (DÉCADA ’70)
Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta.
Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del hombre-artista con el medio ambiente.
Tuvo predecesores, como la obra de Isamu Noguchi (Playgrounds, Playmountains, 1940), Herbert Bayer (Earth Mound de 1966 en Aspen, Colorado) y Dani Karavan (n. 1930, artista de ambientes como su Monumento a la paz en el desierto de Neguev, 1963-1968).
NUEVOS SOPORTES E INSTALACIONES (’70-’80 EN ADELANTE)
Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.
Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico. Otras fuentes son la escenificación de ámbitos como el estudio de Piet Mondrian en París (1921–1936, Montparnasse, rue du Départ). La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.
Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.
Algunas instalaciones son sitios específicos de arte como las exposiciones de arte contemporáneo la Documenta de Kassel o la Bienal de Venecia; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.
Algunos de sus artistas son: Eberhard Bosslet, Dan Flavin, Orlando Mohorovic, Wim Delvoye, Christo y Jeanne-Claude
ARTE DIGITAL (’90 EN ADELANTE)
El Arte Digital es una disciplina creativa que comprende obras en las que se utilizan elementos digitales en el proceso de producción o en su exhibición.
En sus inicios, al contrario del resto de obras artísticas que se manifestaban sobre un soporte analógico:(lienzo, instrumento musical, material escultórico...) las obras de arte digital se manifiestan mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados.
A modo de ejemplo, el arte digital puede apreciarse en diversos ámbitos como cine (trilogía de El Señor de los Anillos), animación 3D (Shrek), etc.
Una de los puntos fuertes del arte digital es su capacidad para crear mundos alternativos, aunque no físicos, como forma de expresión (al igual que otras ramas artísticas)pero con una realidad excepcional. Para ello se emplean técnicas diversas, como él, [modelad]la programación de la física del entorno y los comportamientos de los objetos de ese entorno.
